Su autor es Francisco de Zurbarán .

Mide 290 x 168 cm .

La fecha es 1627 .

Se encuentra en el museo de Chicago Art Institute .
El cuerpo de este Cristo muerto puede compararse en igualdad de condiciones al Cristo Muerto de Velázquez, quien estudió al mismo tiempo que Zurbarán en Sevilla.

El pintor extremeño recurre a todos los efectos del caravaggismo, como es el fondo oscuro sobre el que se aplica un tremendo foco de luz lateral; esto hace relucir fantasmagóricamente la piel blanca del muerto, limpia, sin sangre ni rasguños, incluso la herida del costado se disimula hábilmente quedando oculta por la sombra en el costado derecho.

El efecto es el de un cuerpo en plena madurez, una plenitud espléndida que demuestra la perfección de Cristo, incluso más allá de la muerte. Las proporciones que Zurbarán plasma en el cuerpo son de un academicismo total, un auténtico estudio anatómico en la estela de los estudios italianos del siglo anterior. Las otras notas que caracterizan la imagen son el empleo de los cuatro clavos, en lugar de tres.

El patetismo de la escena se compagina con su hermosura. Cristo acaba de expirar y su rostro cae sin vida. Todo el cuerpo cae y destaca contra la aspereza del leño que forma la cruz. Sobre ésta, la tradicional inscripción en latín y en hebreo reza el conocido I.N.R.I. Al pie de la cruz, como suele ser habitual en nuestro pintor, un papelito finge estar clavado en la propia cruz, sosteniendo su firma.

Jardines de Sabatini

Los Jardines de Sabatini son uno de los pocos espacios que tienen un nombre que no corresponde con la persona que creó el lugar sino con el autor que diseñó el edificio que anteriormente ocupaba este espacio madrileño.

Es decir, antiguamente donde a día de hoy se encuentran estos jardines se levantaban las caballerizas que Carlos III mandó realizar a Francisco Sabatini, de ahí el nombre del jardín que no comenzaría a gestionarse hasta el año 1931 cuando se proclamó la Segunda República y el Gobierno incautó los bienes del Real Patrimonio cediendo los edificios que se levantaban en este lugar al

Ayuntamiento de Madrid con el fin de que hiciera un parque público. Finalmente, y después de un concurso de ideas, fue el proyecto de Fernando Mercadal el que resultó ganador.

Toda una joya de la jardinería que, después de la reforma en 1972 durante la cual se construyeron las monumentales escaleras, no debe dejar de visitar ningún madrileño.

Palacio Real

Su autor es Juan Bautista Sachetti.
Se constuyó en 1738.
Se encuentra en la Plaza de Oriente.

La plaza de Salamanca

Su autor es Alberto Churriguera.

Fue construida en el periodo que va desde desde el año 1729 al 1756.

Esta plaza se encuentra en el ayuntamiento.

Escultura ecuestre de la plaza de Oriente

En los jardines de la Plaza de Oriente de Madrid, entre el palacio real y el teatro real, se halla la estatua ecuestre del rey Felipe IV de Augsburgo, realizada en 1640 por el escultor florentino Pietro Tacca.

Se alzan monarca y caballo en un elevado pedestal rodeado de esculturas, relieves y estanques. Un monumento de los más admirados de Madrid por belleza y elegancia que inauguró Isabel II en 1843 y que cuenta con lo que otros no tienen:

la relevancia de las personas que intervinieron en su ejecución.

La ecuestre de la Plaza Mayor

En el centro de la plaza se encuentra la estatua ecuestre de Felipe III que fue comenzada por el escultor italiano Juan de Bolonia (Giambologna) y terminada por su discípulo Pietro Tacca en 1616.

Fue regalada al rey español por el entonces Gran Duque de Florencia, estando inicialmente situada en la Casa de Campo. Fue en 1848 cuando la Reina Isabel II ordena su traslado desde su emplazamiento anterior a la Plaza Mayor.

Actualmente en el pedestal, figura esta inscripción: "La reina doña Isabel II, a solicitud del Ayuntamiento de Madrid, mandó colocar en este sitio la estatua del señor rey don Felipe III hijo de esta villa que restituyó a ella la corte en 1606, y en 1619 hizo construir esta Plaza Mayor. Año de 1848".

La plaza mayor

Su autor es Juan Gómez de Mora fue construida en 1617.

Se encuentra en el centro de la ciudad a pocos metros de la plaza de la Puerta del Sol y de la Plaza de la Villa y junto a la calle Mayor.

La Fontana di Trevi

Esta fuente fue construida por Bernini .

La Fontana di Trevi es fuente barroca más grande de Roma con 25,9 m de alto y 19,8 de ancho.

Situada en el cruce de tres calles , marca el punto final de uno de los antiguos acueductos que suministraban agua a Roma, supuestamente con la ayuda de una virgen.

Uno de los mitos de esta fuente es : el lanzamiento de una moneda asegura que quien lo hace volverá a Roma, dos que se enamorará de una guapa romana o romano y tres que se casará con ella o con él en Roma.

La incredulidad de Santo Tomás

Su autor es Caravaggio.

Fue pintasda en 1601 y 1602.

Se encuentra en el museo de Neues Palais.

La obra nos muestra el momento en que Cristo resucitado se ha aparecido a sus discípulos pero Tomás aún no cree en su identidad por lo que Cristo mete uno de sus dedos en la llaga del costado.

Este hecho es la mayor prueba física del reconocimiento de Cristo la definitiva demostración de su regreso desde el reino de los muertos.

Autor: Caravaggio

Fecha:1600 y 16001

Características:141 x 196 cm.

Material:Oleo sobre lienzo

Estilo:Barroco Italiano

La escena narra los primeros pasos de Cristo resucitado. Habiendo encontrado éste a dos de sus discípulos en el camino a Emaús, los hombres no reconocen a su maestro hasta el momento de la cena en una posada, pues al bendecir Jesús el pan y el vino reconocen el gesto de la Eucaristía y, a su Señor.

Tiziano, con Cristo en el centro, acompañado de un sirviente había un cesto de frutas que adorna la mesa, los elementos de la Eucaristía: el pan, el vino y la jarra de agua.

Sólo los discípulos pueden reconocer el gesto de Cristo

Esta fuente se encuentra en la plaza Navodna , en Roma .
Fue diseñada por Bernini .

El nombre es este porque representa los mayores 4 ríos :

• El Danubio
• El Río de la Plata
• El Ganges y el Nilo .

Esta fuente tiene una peculiaridad, ninguna de los personajes mira el frente . El motivo de esto es porque Bernini , quería construir los edificios de la plaza de Navodna , pero no se los dieron a él .
Bernini se enfadó y decidió esculpir a los personajes de forma que ninguno mirase al frente .

Esta escultura fue realizada por Bernini entre 1647 y 1652.
Se encuentra en la Iglesia de Santa Maria della Vittoria de Roma .
Tiene una altura de 350 cm. .
Está construida en mármol.
En esta figura se vé como Cupido le va a clavar a Santa Tereresa una flecha . Ella se encuentra sobre una nube . Los rayos que aparecen al rededor no son originales de la obra .
En esta escultura , se muestra muy bien que en el época del Barroco se querían plasmar los sentimientos .
Esta obra no fue muy bien aceptada por la iglesia lo que significaba .

Apolo y Dafne

Es una escultura realizada por Bernini entre los años 1622 y 1625.

Hace mucho tiempo,cuando los dioses disputaban entre si y las Ninfas habitaban en las frescas arboledas.

Apolo era el dios del sol capaz de Abatir cualquier bestia salvaje con una sola flecha.Cegado por la vanidad, el dios comenzó a portarse de forma Arrogante y a burlarse de Eros el Dios del amor.

Él también llevaba un arco de flechas, con los que rendía los corazones al fuego del amor.
Cuando el niño tuvo a su alcance a Apolo, le disparo una flecha de madera de ciprés, con la punta de oro: era la flecha del amor.

Satisfecho Eros se dirigió veloz mente a un arrollo cercano. Allí se encontró con la bella Ninfa Dafne hija del rió peneo. Le disparo la flecha de bronce.rechazaba a quien de le atrevía a amarla.Un día Dafne recogiendo flores silvestres, cuando Apolo de repente, la vio.

Ella al advertir su presencia hecho a correr. Entonces Dafne ya cansada le pidió ayuda a su padre. Dafne cuando todavía no había terminado de hablar cuando noto que sus pies se hacían pesados.Luego , se sintió atada a la tierra.

Entonces Dafne se combirtió en un hermoso Laurel.Entonces Apolo se dio cuento y, cogió una hoja de laurel y se tegió una corona.

El rapto de Proserpina

Fue construida por Bernini entre 1621 y 1623.
Esta figura es de mármol.

El mito de esta figura cuenta que Venus , envió a su hijo Cupido a que disparara una de sus flechas amorosas. Esta flecha se la lanzó a Hades. Éste se enamoró locamente de Proserpina . Él la seguía día tras día, pero ella siempre huía.

Hades consigió capturarla y se la llevó al infierno.
La madre de Proserpina, Ceres, diosa de los cereales o la tierra comenzó a buscarla por todos los lugares y no la encontraba porque ella estaba con Hades en el infierno.

Mientras ella la buscaba, las flores no crecían ni había vegetación todo era un desierto.

Fueron al infierno y le dijeron a Hades que soltase a Proserpina. Ella le hizo comer 6 semillas se Granada, que era un símbolo de fidelidad en el matrimonio.

Se quedaba 6 meses en la superficie y en este tiempo las flores crecían y los otros 6 meses que se quedaba con Hades, no sucedía lo mismo, no crecía nada.

Este mito era para que las personas entendieran cuando era verano o primavera y cuando era invierno y otoño.

David

Titulo: David

Fecha: Entre 1623 y 1624

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Material: Marmol

Estilo: Barroco Italiano

El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se disponen a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado.

La figura esta en tension, el movimiento y la potencia estan implicitos. La cara muestra concentracion, con el ceño fruncido e incluso mordiendose el labio inferior.

Este david no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzandose para lograr sus metas.

Plaza de San Pedro del Vaticano

Fue diseñada por Bernini entre 1656 y 1657

Esta plaza se encuentra en el Vaticano .
Millones de peregrinos viajan hasta esa plaza todos los años.
Tiene una forma muy peculiar, debido a que la forma redonda quiere transmitir que acoge a todos los peregrinos y que intenta darles una especie de abrazo a todos ellos.
En la parte de alrededor, lo que da forma a ese circulo, está formado por 4 filas de columnas.
En el centro de esta plaza se encuentra el Obelisco

Bernini

Esta arquitectura se encuentra en el Vaticano.

Fue diseñado por Bernini.
Su tamaño es de 29 metros de altura.
Está realizado en bronce dorado , madera y mármol.
Tiene unas columnas salomónicas.
Es un tipo de altar, en el que en ocasiones dan la misa.
Se construyó entre 1624 y 1633.

Las hilanderas

Pintado por Velázquez en 1657.Se encuentra en el museo del Prado de Madrid.

Hay a una serie de mujeres hilando en la rueca y preparando hilos. Al fondo se observa a tres mujeres, vestidas como nobles, contemplando un tapiz en el que aparece representado un motivo mitológico.

Era una joven famosa por ser una buena tejedora, que retó a la diosa Atenea (inventora de la rueca) a un duelo de tejido. Así según esta interpretación, Aracne sería la joven que se representa de espaldas al espectador, tejiendo su tapiz que es el que está representado al fondo de la estancia, mientras que la diosa aparecería camuflada como la anciana.

La escena del fondo se correspondería con el final de la fábula, ya que Atenea, representada con sus atributos guerreros aparece enfrente de la joven, ataviada con un vestido de plegados clásicos, levantando la mano para castigarla y condenarla a tejer eternamente bajo la forma de la araña.

La venus del espejo

La Venus del espejo fue pintada por Velázquez en 1646.

La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano.

No trata a la figura como a una diosa sino simplemente como a una mujer. Esta vez sin embargo prescinde del toque irónico que emplea con Baco, Marte o Vulcano.
Solo está el cupido alado de Venus.

Las meninas

Este cuadro fue pintando en 1656 en el estilo barroco.

El centro de la escena lo ocupa la infanta Margarita, hija mayor de los reyes, que contaba entonces cinco años. A ambos lados se sitúan sus damas de honor.

Doña Agustina Sarmiento de Sotomayor que aparece ofreciéndole una bandeja con un vaso para el agua y Doña Isabel de Velasco, haciendo también una reverencia.

A la derecha vemos a Mari Bárbola, de origen alemán, a su lado Nicolasillo, que posa su pie izquierdo en el perro mastín grande y apacible que, tumbado también mira al espectador o hacia los reyes, si allí estuviesen situados.

Más atrás, un hombre de negro con las manos cruzadas que parece ser Diego Ruiz Azcona, Ayo de los Infantes de España, está al lado de una mujer vestida con toca y traje blancos y manto negro, es Doña Marcela de Ulloa, Camarera Mayor de la princesa.

Velázquez se autorretrato es el que tiene en su mano la paleta y la pintura.

Felipe V

Felipe V fue un rey de España. Nació en Versalles en 1683.

Era nieto de Luis XIV.

En el año 1700, sucedió al último rey de la casa de los Austrias, Carlos II. Como el rey no tuvo descendencia, el archiduque Carlos y Felipe se disputaron el trono, en una guerra, llamada guerra de Sucesión que duró trece años.

Se casó dos veces. Su primer matrimonio fue con María Luisa Gabriela de Saboya, con la que tuvo un hijo. Luis, el futuro rey relámpago, Luis I.

Lamentablemente, la reina murió en el 1714 y Feiipe se casó con Isabel de Farnesio, y tuvo dos hijos. Fernando VI y Carlos III.

Felipe dejó de reinar en el 1724, pero Luis murió muy temprano y el rey volvió al trono hasta el 1746, año de su fallecimiento. Le sucedió Fernando VI. Su reinado es el más largo de la historia hispánica.

La fragua de Vulcano

La fragua de Vulcano es una obra de Velázquez pintada en Roma en 1630.

Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para contarle la infidelidad de su esposa Venus con Marte. Al escuchar la noticia toda la fragua se queda asombrados.

El cuadro describe el momento en que Apolo, coronado de laurel visita el lugar donde Vulcano se encuentra fabricando armas para la guerra.

El dios Apolo comunica a Vulcano el adulterio de su esposa Venus con Marte, dios de la guerra, por esa razón todos los personajes miran con cara sorprendida al dios que acaba de presentarse en el estudio, incluso alguno de ellos abre la boca y los ojos para indicar este gesto de sorpresa.

Los borrachos

El triunfo de Baco es una pintura del español Velázquez conservada en el Museo del Prado desde 1819.
El cuadro lo pintó algunos años después de su llegada a Madrid procedente de Sevilla poco antes de su primer viaje a Italia.

El cuadro describe una escena donde aparece el dios Baco que corona con hojas de hiedra a uno de los siete borrachos que lo rodean; podría tratarse de un poeta inspirado por el vino.

Otro personaje semimitológico observa la coronación. Algunos de los personajes que acompañan al dios miran al espectador mientras sonríen.

En ella se representa a Baco como el dios que premia o regala a los hombres el vino el cual libera de forma temporal a los hombres de sus problemas.

Baco era considerado una alegoría de la liberación del hombre frente a su esclavitud de la vida diaria.

Hay varios elementos que dan naturalismo a la obra como son la botella y el jarro que aparecen en el suelo junto a los pies del dios, o el realismo que presenta el cuerpo de este.

Vieja friendo huevos

Este es un cuadro de juventud de Velázquez pintado en Sevilla en 1618.

La escena se desarrolla en el interior de una cocina poco profunda con fuertes contrastes de luz y sombra.

Sobre el fondo de la pared, cuelga un castillo de mimbre y unas lámparas de aceite.

Una anciana cocina en un hornillo un par de huevos podemos ver a los huevos que estan flotando en el aceite.

Delante de la anciana hay objetos como una jarra de loza, un almirez (un palo para machar), un plato de loza hondo con un cuchillo, cebollas y guindillas.

Un joven situado a la izquierda de la anciana que lleva un frasco de vino y un melón.

San Hugo en el refectorio de los cartujos

Es un cuadro de Francisco de Zurbarán realizado en 1655.

La orden de los cartujos es muy e

stricta en cuanto el ayuno y el silencio los rostros de los cartujos muestran rigidez que ha provocado muchas discusiones.

La leyenda cuenta que San Hugo a la derecha les regaló carne para que comieran los Cartujos debatieron mucho tiempo si aceptarlo o no y cayeron en un profundo sueño del que no se despertaron hasta transcurrir 45 días toda la cuaresma.

San Hugo les visitó y se los encontró despertando en ese mismo momento en ese mismo momento la carne se convirtió en cenizas simbolizando la abstinencia.

Delante de cada cartujo están dispuestas las escudillas de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un tazón boca abajo y unos cuchillos abandonados

El Barroco

El arte Barroco fue importante en los conflictos religiosos, la iglesia católica usó para sus fines litúrgicos la grandiosa y complejidad barrocas.

Se caracteriza por la acumulación de formas y excesos de superposición y pilatas que no sostienen nada.

Características:

• Movimiento, energía y tensión.
• Contrastes de luces y sombras.
• Intensa espiritualidad (éxtasis, martirios, apariciones milagrosas.
• El naturalismo.
• Buscaban la personalidad, los sentimientos que aparecerán reflejados en el rostro de los personajes.

Pintura:

• Se impuso el realismo.
• Se utilizó una técnica llamada claroscuro.
• Se usaron composiciones menos simétricas (mayor movida y fuerza)
• Tenían gran emotividad.

La pintura se caracteriza:

• Escenas religiosas.
• Retratos.
• Mitología.
• Escenas cortesanas.
• Vida cotidiana.

Arquitectura:

Va frecuentemente unida al urbanismo.

Características:

Tuvo como objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador utilizando lo siguiente:

• El uso de la linea curva.
• Destaca el uso de las columnas salomónicas que van en espiral.
• Utilizan efectos luminosos.
• Abundancia decoración y adornos.
• La utilización de materiales ricos o nobles para producir una sensación o tentación.

Escultura:

Se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad.

Características:

• Todos los detalles del cuerpo humano se representaron minuciosamente.
• Las representaciones mostraban un gran patetismo hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.
• Las figuras adquirieron gran movilidad energía y vitalidad.
• Se potenciaron los efectos luminosos los pliegues de la ropa y los gestos provocan combinaciones de luces y sombras.
• La temática de las culturas barrocas fue muy variada serán representaciones religiosas.

La limpieza de sangre

Los Estatutos de limpieza de sangre fueron el mecanismo de discriminación legal hacia las minorías españolas conversas bajo sospecha de practicar en secreto sus antiguas religiones marranos.

En el caso de los ex-judíos y moriscos en el de los antiguos musulmanes- que se estableció en España durante el Antiguo Régimen.

Consistían en exigir (al aspirante a ingresar en las instituciones que lo adoptaban) el requisito de descender de padres que pudieran asimismo probar descendencia de cristiano viejo.

Surgen a partir de la revuelta de Pedro Sarmiento (Toledo, 1449), a consecuencia de la cual se redactó la Sentencia Estatuto y otros documentos justificativos, que a pesar de ser rechazados incluso por el papa Nicolás V, tuvieron una gran difusión en gobiernos municipales, universidades, órdenes militares.

Su principal problema, y que causó el rechazo inicial por el papado, era el hecho de que presuponían que ni siquiera el bautismo lavaba los pecados de los individuos, algo completamente opuesto a la doctrina cristiana.

Posteriormente, y para justificar una segregación de posiciones de poder (incluido el económico) que podían adquirirse durante la Colonización española de América los estatutos se emplearon para impedir que los españoles libremente pudiesen asentarse en las Américas, limitando su emigración.

La batalla de San Quintín

La Batalla de San Quintín fue un enfrentamiento bélico entre las coronas francesa y española enfrentándose Enrique II y Felipe II.

Transcurrió el 10 de Agosto de 1557.

Las tropas españolas estaban comandadas bajo el mando de Manuel Filiberto de Saboya y las tropas francesas, bajo el mando de Gaspar de Coligny.

Los primeros enfrentamientos fueron en territorios italianos, en donde estaban en juego los dominios del Milanesado, cuya tierra pertenecía a los españoles.Fue entonces ahí, donde el Duque de Alba logró sortear la batalla a favor del lado español.

El segundo enfrentamiento se llevó a cabo en la frontera de Flandes y Francia.El Duque de Saboya hizo creer a los franceses que se iba a dirigir hacia Guisa, después de pasar por

Champagne, lo que determinó un error estratégico por parte de los franceses.Fue entonces cuando el comandantes español, quien se dirigió hacia el camino de San Quintín, pero la resistencia que encontraron allí fue bastante pobre.

Cuando el comandante francés se enteró de qué pasaba, el ataque ya había comenzado.El 2 de agosto, los españoles iniciaron la ofensiva y el día 3 llegó Francia respaldada por 500 hombres, reforzándose luego con otros 30.000, y cañones.Cuando intentaron ingresar en la ciudad, las fuerzas españolas los interceptaron haciendo del avance un fracaso.

El 10 de agosto, fecha crucial en que se recuerda la Batalla de San Quintín, el sobrino del Almirante Coligny, Montmorency, tenía pensado ingresar a la ciudad cruzando el río Somme, pero por un error de táctica militar, consistente en retirar la tropa que respaldaba a los soldados que emprendían la maniobra, los españoles los sorprendieron y los vencieran en pleno cruce.

Tras una lucha que dejó de baja 6.000 hombres franceses y otros tantos prisioneros, conociéndose la victoria española, Felipe II, mandó construir el Monasterio de San Lorenzo del Escorial.

El Conde Duque de Olivares

Durante el reinado de Felipe III se desaprovecharon momentos importantes en los que se podían haber resuelto problemas importantes del imperio. El conde duque de Olivares, durante el reinado de Felipe IV, intentó solucionarlos.

El conde duque pertenencía la casa de Guzmán, título que heredó porque murieron sus dos hermanos mayores. En 1615 el duque de Lerma le nombró gentilhombre de cámara del futuro Felipe IV.

Olivares cambió de bando cuando el duque de Lerma perdió influencia y apoya al duque de Uceda. Uceda cae en desgracia pero Olivares es nombrado grande y al siguiente año valido.

El programa de Olivares fue reformista y se recogió en el Gran Memorial de 1624 y cuyos puntos eran: ·Lucha contra la corrupción con castigos ejemplares,.

·Los consejos son sustituidos por kuntas, antesalas del consejo de ministro. Quiere contener la inflación finalizando las acuñaciones masivas de vellón y así se crean los erarios estatales.

·Reparto de las cargas sobre todas las regiones y no sólo sobre Castilla.Esta medida encontró fuertes resistencias principalmente en Cataluña.

·En política exterior quiso conservar el imperio y en 1618 se da inicio a la Guerra delos Treinta Años.